Blak Design Matters es la primera exposición en Australia dedicada específicamente al diseño indígena contemporáneo. Su curador, arquitecto y académico Jefa Greenaway, describe la muestra como una instantánea que «toma el pulso a lo que está ocurriendo ahora».
El arte indígena es muy conocido, pero la exposición Blak Design Matters invita a pensar en otras expresiones icónicas del «diseño» indígena a lo largo de nuestra historia. La separación entre arte y diseño no siempre está clara, especialmente si pensamos en personas como William Barak y Tommy McRae —considerados por algunos diseñadores de comunicación de su época. Ambos utilizaron el arte para tender puentes entre culturas y facilitar la comprensión durante un período muy convulso para los pueblos indígenas.
Creo que debemos encontrar mejores maneras de reconocer la excelencia del diseño indígena que existe desde hace mucho tiempo en el hogar de las culturas vivas continuas más antiguas del mundo. Deberíamos celebrar la genialidad de ingeniería del boomerang y la sofisticación de los sistemas de acuicultura de Budj Bim, en el suroeste de Victoria, anteriores a las pirámides egipcias.
En 2015, David Unaipon (ngarrindjeri), prolífico y talentoso diseñador industrial, ingresó póstumamente en el Salón de la Fama del Design Institute of Australia. Irónicamente, había muerto en 1967, el año en que los pueblos indígenas fueron finalmente reconocidos en la Constitución. Unaipon, cuya imagen aparece en nuestro billete de 50 dólares, registró en vida más de 19 inventos con patentes provisionales, entre ellos las tijeras mecánicas para esquilar. En 1929 escribió: «Como miembro de pura sangre de mi pueblo, creo que puedo aspirar a ser el primero, pero espero no ser el último, en dejar un registro perdurable de nuestras costumbres, creencias e imaginaciones».
Las empresas de orientación cultural y propiedad indígena, incluidas las de diseño, están en auge. Aún queda mucho camino por recorrer, pero esta es mi lista (subjetiva) de diseños indígenas icónicos. Estos diseños están inspirados en la época en que se crearon y, aun así, resuenan en distintas culturas como registro perdurable de las «costumbres, creencias e imaginaciones indígenas».
Bandera aborigen, 1971
Diseñada por Harold Thomas, hombre luritja de Australia Central, la bandera se izó por primera vez el Día Nacional Aborigen en Adelaida, en 1971. Ha tenido un impacto sin parangón entre los diseños indígenas contemporáneos. Thomas creó la bandera como símbolo de movilización racial e identidad. El negro representa al pueblo aborigen; el rojo, la tierra —un vínculo con el territorio—; y el amarillo, el sol, dador de vida. La bandera se ha convertido en símbolo de cambio y se exhibe en marchas de protesta, pancartas y carteles. En 1998 conocí a Thomas y le pregunté si creía que la bandera aborigen acabaría convirtiéndose en la bandera de Australia. ¡Respondió que no! Quería que siguiera siendo una bandera activista, tal como se concibió originalmente.
Capa de ópera Ciclo de la vida, 1987
Esta capa de ópera larga con capucha, confeccionada en algodón resistente pintado a mano, fue diseñada por Bronwyn Bancroft, mujer bunjulung, y ahora forma parte de la colección del Museo de Artes Aplicadas y Ciencias de Sídney. Obra de arte para vestir, representa el recorrido por la vida de un hombre y una mujer indígenas. Diseñada específicamente para un desfile en los grandes almacenes Au Printemps de París en 1987, el interés que despertó esta capa ayudó a abrir camino a la actual generación de diseñadores indígenas de moda.
Logotipo de ATSIC, 1990
El logotipo de la Comisión de Aborígenes e Isleños del Estrecho de Torres fue diseñado por Clive Atkinson, hombre yorta yorta y dja dja wurrung de Echuca, quien se describe como el primer hombre aborigen australiano en ser propietario y dirigir una empresa de diseño gráfico y publicidad. El logotipo fue encargado por el entonces primer ministro, Bob Hawke, a partir de un encargo de Lois/Lowitja O'Donoghue, primera presidenta de ATSIC. O'Donoghue quería expresar la unión. Atkinson basó el diseño del logotipo en un símbolo tradicional de lugar de reunión, conocido por muchas comunidades de Australia.
Logotipo de Marcus Lee Design (elemento simbólico), 1996
Diseñado por Marcus Lee, hombre karajarri originario de Darwin, la mano de este logotipo hace referencia al arte rupestre aborigen del Territorio del Norte. El ojo conecta el corazón con la mano, considerada la ventana del alma. Como dijo Leonardo da Vinci: «Donde el espíritu no trabaja con la mano, no hay arte». Marcus Lee es un diseñador indígena muy respetado que ha creado muchos diseños poderosos con temas culturales, entre ellos los logotipos de la Semana NAIDOC y Supply Nation .
Centro de Creación Artística Girrawaa, prisión de Bathurst, 1998
El encargo para este centro consistía en crear un espacio para las artes y la cultura inspirado en el varano, tótem de muchas personas de la zona de Bathurst. En su momento, fue un enfoque novedoso para los centros penitenciarios. Lo diseñaron los arquitectos Dillon Kombumerri, hombre yugembir, y Kevin O'Brien, hombre kaurereg y meriam, junto con la diseñadora de interiores Alison Page, mujer walbanga y wadi wadi. Los reclusos indígenas de la prisión determinaron el nombre y la orientación conceptual del edificio; esta consulta cultural fue clave para el éxito del proyecto. «Girrawaa» significa «varano» en la lengua wiradjuri.
Qantas, Wunala Dreaming, 1993
La empresa Balarinji Designs creó Wunala Dreaming, una declaración contundente liderada por indígenas que celebraba con orgullo la rica cultura precolonial de Australia. «Queríamos cuestionar los enfoques existentes sobre la identidad visual australiana, que buscaban inspiración sobre todo en Europa y Estados Unidos y que, a nuestro juicio, no lograban captar el latido único de Australia», dijeron en 2014 sus diseñadores, Ros y John Moriarty (yanyuwa). Un Boeing 747 se cubrió con diseños inspirados en el arte aborigen que evocaban los colores del monte, los humedales y los tonos rojizos de Uluru. Concebido inicialmente como una promoción de tres meses, Wunala Dreaming se convirtió en el avión más fotografiado del mundo y voló durante 17 años.
Esculturas ambientales Murri Totems, 2012
Estos postes, situados en el Instituto de Ciencias Moleculares de la Universidad La Trobe, fueron diseñados por Reko Rennie, hombre kamilaroi. Rennie es único por la manera en que combina expresiones de la cultura indígena con una sensibilidad de diseño contemporánea.
Logotipo de la Cumbre del G20 de Brisbane, 2014
Este logotipo fue creado por Gilimbaa Creative Agency, cofundada por David Williams, hombre wakka wakka, y Amanda Lear. Es la mayor empresa de diseño de comunicación de propiedad indígena de Australia y atrae a clientes destacados de los sectores público y privado. Inspirado en parte en las técnicas de tejido de los isleños del Estrecho de Torres, el logotipo del G20 también presenta una serpiente arcoíris. Es un gran ejemplo de cómo las diversas culturas aborígenes y de los isleños del Estrecho de Torres pueden proyectar una identidad unificada a escala internacional.
Silla Marlu, 2015
La silla Marlu y otros diseños de Nicole Monks, mujer wajarri y yamatji de Sídney, están marcando un nuevo rumbo para el diseño australiano, al combinar con inteligencia inspiraciones y estéticas modernistas y tradicionales. «Marlu», que significa canguro, se inspiró en un viaje de regreso al territorio para visitar a su «tía» Dora, de 93 años, y recordar el célebre guiso de cola de canguro de la bisabuela de Nicole. Me encanta la motivación y la inspiración tan sentidas detrás de esta pieza.
Nicole Monks, colección Marlu, 2015. Creada para el Australian Design Centre. Boaz Nothman.
Ngarara Place, Universidad RMIT, Melbourne, 2016
Diseñado por Jefa Greenaway, hombre wailwan y kamilaroi de Melbourne, el galardonado Ngarara Place es ampliamente reconocido como un diseño innovador. Es singular porque este espacio, situado en el corazón de Melbourne, fue concebido, diseñado y construido por un equipo integrado mayoritariamente por indígenas.
Inspirado en las siete estaciones de las naciones Kulin, este patio es el lugar perfecto para celebraciones ceremoniales en el centro de una de las ciudades más grandes de Australia.
También merecen una mención dos diseñadoras muy talentosas de Melbourne cuyo trabajo aparece en Blak Design Matters: Lyn-Al Young, de 23 años, mujer gunnai, wiradjuri, gunditjmarra y yorta yorta, y Maree Clarke mujer mutti, wamba wamba, yorta yorta y boon wurrung. El diseño de joyería de Clarke (Thung-ung Coorang) combina materiales orgánicos tradicionales con formas impresas en 3D, modeladas a partir de dientes de canguro (chapados en oro), púas de equidna y plumas de cuervo. También me gusta cómo la marca de moda LYN-ALtrasciende las culturas sin perder su integridad histórica. Su «arte para vestir» —una interpretación contemporánea de la cultura tradicional— conecta con la juventud indígena y, así, mantiene vivas las costumbres, creencias e imaginaciones.
