Desde 2010, ocho obras individuales de arte moderno se han vendido en subasta por más de 100 millones de dólares. Estos precios sorprendentes han reforzado una creencia de larga data entre los expertos en arte: que los mercados de subasta carecen de base racional. Así, por ejemplo, el crítico de la revista Time Robert Hughes (1992) declaró que “[e]l precio de una obra de arte es un índice de puro deseo irracional”. Tobias Meyer, subastador jefe de Sotheby’s, sostuvo que los precios de subasta solo podían describirse como “mágicos” (Leonhardt 2006). Y quien sostuviera lo contrario era deshonesto – Robert Rosenblum, conservador del Museo Guggenheim de Nueva York, dijo al Wall Street Journal: “Desconfío de inmediato de cualquiera que intente detectar patrones… en el arte, especialmente en términos económicos” (Duff 1998).
¿Existen patrones racionales en el arte?
Hemos analizado recientemente todos los registros de subastas de cuadros de Jackson Pollock y Andy Warhol vendidos entre 1965 y 2015: un total de 160 cuadros de Pollock y una cifra notable de 2.870 de Warhol (Galenson y Lenzu 2015). Pollock y Warhol fueron elegidos porque un estudio reciente concluyó que los especialistas en arte los consideran los dos mejores pintores nacidos en el siglo XX (Galenson 2009). Tomando el precio de venta de cada cuadro como variable dependiente, para cada artista estimamos una regresión hedónica no paramétrica con una serie de variables binarias independientes para la edad del artista cuando ejecutó la obra, y controles por el tamaño de la obra, su soporte (papel o lienzo) y la fecha de venta. Los coeficientes estimados de las variables de edad trazan un perfil edad-precio para Pollock que alcanza su máximo a los 36-38 años, y un perfil para Warhol que alcanza su máximo a los 34-35 años.
Para determinar si estas edades pico estimadas eran significativas, las comparamos con las valoraciones de las trayectorias de estos artistas por parte de los expertos en arte, de dos maneras distintas. En primer lugar, tomamos todos los libros de texto de historia del arte disponibles publicados en inglés desde 1990, de los que encontramos un total de 61, y distribuimos todas las ilustraciones de la obra de Pollock y Warhol según la edad de cada artista en la fecha de ejecución de la obra ilustrada. Encontramos que la edad única a partir de la cual la obra de Pollock se ilustra con mayor frecuencia en los libros es los 38 años, y que en el caso de Warhol es los 34 años.
En segundo lugar, distribuimos según la edad del artista en el momento de la ejecución todas las obras incluidas en las dos retrospectivas completas más recientes de ambos artistas: la de Pollock en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1998-99 (Varnedoe 1998) y la de Warhol en la Neue Nationalgalerie de Berlín y la Tate Modern de Londres en 2001-02 (Bastian 2001). Encontramos que la edad única representada por el mayor número de obras en la retrospectiva de Pollock de 1998-99 fue los 36 años, mientras que en el caso de Warhol fue los 34 años.
Innovadores experimentales y conceptuales
La coincidencia de estas tres fuentes tan diferentes demuestra claramente que existen patrones en el arte. El mercado de subastas sitúa el pico de Jackson Pollock entre los 36 y los 38 años. Las ilustraciones de libros de texto lo sitúan en los 38 años. Su retrospectiva más reciente lo sitúa en los 36 años. Las pinturas más caras de Andy Warhol se realizaron a los 34-35 años. Las ilustraciones de libros de texto sitúan el pico de Warhol en los 34 años, y su retrospectiva más reciente hace lo mismo.
La estrecha coincidencia de estas tres fuentes no es, por supuesto, casual. Existe consenso entre los especialistas en arte en que Jackson Pollock produjo su mejor obra entre 1948 y 1950, cuando tenía entre 36 y 38 años. En esos años empleó su novedosa técnica del goteo para introducir innovaciones visuales radicales: pinturas con imágenes grandes y envolventes, sin un punto focal central; que usaban la línea no para definir figuras o delimitar espacios, sino como elementos independientes de la composición; y que envolvían al espectador en un espacio que podía imaginarse extendiéndose indefinidamente, y que algunos críticos consideraron una representación de las vastas llanuras abiertas de la pradera occidental, en una desviación distintivamente estadounidense del arte europeo tradicional. Con estas pinturas, Willem de Kooning declaró que “Jackson rompió el hielo” (Ashton 1973); hicieron de Pollock el líder del movimiento expresionista abstracto e inspiraron a sus contemporáneos y a artistas más jóvenes, tanto por la belleza de las imágenes como por la espontaneidad y la libertad que simbolizaba la técnica del goteo.
Existe igualmente un consenso entre los especialistas en arte en que Andy Warhol realizó sus mayores aportaciones en 1962, cuando tenía 34 años. Ese año introdujo tres innovaciones formales de largo alcance: usó imágenes seriadas, ideó técnicas mecánicas para producir pinturas y basó las pinturas por completo en fotografías. Estas prácticas vulneraron una de las tradiciones más antiguas y apreciadas de la pintura, la convicción de que el gran arte era producto del toque inspirado del artista, y Warhol agravó la afrenta al declarar: “La razón por la que pinto de este modo es que quiero ser una máquina” (Goldsmith 2004). Estas innovaciones le valieron a Warhol el reconocimiento como líder del Pop Art y se convirtieron en prácticas básicas para muchos de los más grandes artistas visuales durante gran parte del siglo XX y después.
Pollock y Warhol fueron, respectivamente, los arquetipos de innovadores experimentales y conceptuales (Galenson 2006). Los innovadores experimentales avanzan por ensayo y error hacia metas estéticas imprecisas. Jackson Pollock dedicó casi dos décadas a trabajar en una nueva forma de hacer los grandes cuadros que creía que eran el futuro del arte. A los 35 años llegó a su novedosa técnica del goteo y dedicó varios años más a desarrollarla antes de producir las obras maestras monumentales por las que hoy es celebrado. En cambio, los innovadores conceptuales llegan de forma repentina a formas novedosas de expresar ideas concretas. Andy Warhol decidió dedicarse a la pintura solo después de pasar una década como ilustrador comercial de éxito. Apenas dos años después de tomar esa decisión, convertía fotografías en pinturas mediante técnicas de impresión mecánica. Estos primeros cuadros, que influirían en generaciones de jóvenes artistas, fueron los más importantes que llegaría a hacer.
El genio de la fijación de precios
Los grandes artistas son innovadores; las grandes obras de arte son aquellas que encarnan sus innovaciones. Los perfiles edad-precio estimados a partir de las ventas en subasta coinciden claramente con los juicios de los especialistas en arte, recogidos en libros de texto y retrospectivas, sobre el momento en que los dos mejores pintores nacidos en el siglo XX realizaron sus obras más destacadas. Este acuerdo rechaza de forma concluyente las afirmaciones de críticos y especialistas en arte: los precios del arte siguen patrones definidos, y estos se basan claramente en juicios racionales. Los mercados del arte permiten a los coleccionistas invertir en genialidad (Stewart 2014), y los resultados son sistemáticos, ya que las obras más innovadoras de los artistas más innovadores son las que alcanzan los precios más altos.
Referencias
Ashton, D (1973), The New York School, University of California Press.
Bastian, H (2001), Andy Warhol Retrospective, Tate Publishing.
Duff, C (22 de mayo de 1998), “In Payscales, Life Sometimes Imitates Art”, Wall Street Journal.
Galenson, D (2006), Old Masters and Young Geniuses, Princeton University Press.
Galenson, D (2009), Conceptual Revolutions in Twentieth-Century Art, Cambridge University Press and NBER.
Galenson, D y S Lenzu (2015), “Pricing Genius: The Market Evaluation of Innovation”, BFI Working Paper 2015-10.
Goldsmith, K (2004), I’ll Be Your Mirror, Carroll and Graf.
Hughes, R (1992), Nothing if Not Critical, Penguin Books.
Leonhardt, D (2006), “The Science of Pricing Great Works of Art”, New York Times, 15 de noviembre.
Stewart, J (2014), “With Art, Investing in Genius”, New York Times, 28 de noviembre.
Varnedoe, K (1998), Jackson Pollock, Museum of Modern Art.
Este artículo se publica en colaboración con Vox EU. La publicación no implica que el Foro Económico Mundial respalde las opiniones expresadas.
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Autor: David Galenson es profesor de Economía en la Universidad de Chicago y director académico del Centro de Economía de la Creatividad de la Universidad del CEMA. Simone Lenzu es estudiante de posgrado en Economía en la Universidad de Chicago.
Imagen: Artistas llevan sus creaciones en una escalera mecánica del metro Consolação, cerca de la avenida Paulista, durante una exposición itinerante denominada “Walking Gallery”, en São Paulo. REUTERS/Nacho Doce
