El arte ayuda a las personas a comprender, negociar y orientarse en los desafíos del mundo moderno.
Para Davos 2023 se ha seleccionado con esmero un programa de Artes y Cultura diverso, que invita a la reflexión e inclusivo.
Reflexionando sobre el tema de la Reunión Anual, Cooperación en un mundo fragmentado, el programa de Artes y Cultura para Davos 23 está diseñado para abrazar la tecnología, los imperativos del cambio climático, la igualdad de género y la crisis global de los refugiados.
Las artes desempeñan un papel significativo para ayudar a abordar los problemas globales. Al pensar en cómo las personas se relacionan entre sí, con las comunidades, con personas de otros lugares, con el pasado, el presente y el futuro, las artes y la cultura son fundamentales.
El arte ayuda a las personas a comprender, negociar y orientarse en los desafíos del mundo moderno. También nos ayuda a explorar qué divide a las personas de una manera que fomenta la comprensión y la cooperación.
La vida es un proceso en constante evolución. Es un cambio continuo en el que las artes desempeñan un papel muy significativo. Las artes estimulan a la sociedad al traducir experiencias a través del espacio y el tiempo e influyen en la opinión de las personas mediante la inspiración visual y auditiva. Las artes no muestran a las personas lo que deberían hacer, sino que proponen alternativas. Transforman al proyectar una mezcla de imaginación y realidad que influye en la forma en que las personas piensan y viven. Los sentimientos y emociones que generan las artes estimulan el pensamiento, la participación y, en algunos casos, la acción.
Curaduría de un programa artístico para Davos 23
Partiendo de lo anterior y reflexionando sobre el tema general de la Reunión Anual, Cooperación en un mundo fragmentado, me propuse curar lo que espero sea un programa de Artes y Cultura diverso, que invite a la reflexión e inclusivo para Davos 23. Está diseñado para abrazar la tecnología, los imperativos del cambio climático, la igualdad de género y la crisis global de los refugiados.
36.5 / Una performance de larga duración con el mar
En 2012, el huracán Sandy, un huracán atlántico extremadamente destructivo y fuerte, devastó Nueva York, sus suburbios y Long Island. Al menos 43 personas murieron en la ciudad de Nueva York a causa de la tormenta, y miles de viviendas y unos 250.000 vehículos, según estimaciones, fueron destruidos. Las pérdidas económicas en la ciudad de Nueva York se calcularon en torno a los 19 000 millones de dólares.
En mayo de 2022 conocí a Sarah Cameron Sunde, artista interdisciplinar y neoyorquina de nacimiento, que se encontraba en Nueva York cuando el huracán Sandy azotó la ciudad. Me describió el impacto que esta experiencia transformadora tuvo en ella. Fue el detonante de su proyecto 36.5 / Una performance de larga duración con el mar, una reflexión artística sobre la fragilidad y la vulnerabilidad de nosotros mismos, así como de nuestras ciudades y entornos urbanos ante los fenómenos meteorológicos extremos, la crisis climática y la subida del nivel del mar.
Lo que comenzó como un gesto poético, con Cameron Sunde de pie en el agua durante un ciclo completo de marea (12 horas y 48 minutos), mientras la marea subía y bajaba sobre su cuerpo, se transformó en una serie compleja, colaborativa y en constante evolución de obras. Abarca nueve años y seis continentes, y se ha desarrollado en colaboración con comunidades de México, San Francisco, los Países Bajos, Bangladés, Brasil, Kenia y Aotearoa-Nueva Zelanda.
“La aparente sencillez de la obra oculta la complejidad de su potencial teórico, estético y político. 36.5 ofrece la oportunidad de abordar cuestiones de arte, performance y el lugar del ser humano en la naturaleza desde diversas perspectivas discursivas y disciplinares: feminismo, ecoteoría, teorías del espacio, corporeidad y afecto, cuestiones de resiliencia, historias de la performance, historia del arte, así como cuestiones de activismo artístico transnacional y modos de fomentar la conciencia ecosférica”, explica Una Chaudhuri, ecocrítica, profesora y decana de Humanidades de NYU.
Realidades artificiales: Coral
Considerado uno de los máximos exponentes de lo que él denomina «pintura de datos», el artista de medios turco-estadounidense Refik Anadol es pionero en la estética del aprendizaje automático. Sus obras exploran el espacio entre entidades digitales y físicas. Crea una relación híbrida entre la arquitectura y las artes mediáticas con inteligencia de máquinas. Anadol ha recibido el prestigioso Premio Lumen y su obra se ha presentado en la Bienal de Arquitectura de Venecia y en exposiciones de la Galería Nacional de Victoria y del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Cuando hablé por primera vez con Anadol, me impresionó de inmediato su increíble energía contagiosa y su creatividad sobrecogedora. Habla con enorme pasión sobre los desafíos y las posibilidades que la computación ubicua ha planteado a la humanidad y sobre lo que significa ser humano en la era de la IA. Lo que resulta especialmente fascinante de la obra de Anadol es cómo altera nuestras percepciones y ofrece nuevas formas de interpretar los datos, así como maneras alternativas de ver y pensar en la forma, el color, la figura y el movimiento.
Inspirado por el entorno oceánico y la difícil situación de los arrecifes de coral, Anadol ha creado una nueva pieza específica para el lugar, que se presentará en Davos, titulada Realidades artificiales: Coral. Esta gran escultura de datos utiliza aproximadamente mil millones de imágenes de corales procesadas con modelos de clasificación de aprendizaje automático. Combinando ciencia, tecnología y artes visuales, estos nuevos y emocionantes espacios de trabajo se centran en la preservación y la sostenibilidad de los corales. Conecta un ecosistema digital de datos con un paisaje que es hogar de numerosos ecosistemas vivos, con el objetivo de aprovechar el potencial de las economías del metaverso y de la cadena de bloques para mitigar los problemas del cambio climático global.
El color de la resiliencia
Según ACNUR, “al menos 103 millones de personas son desplazadas forzosamente en todo el mundo, 4,9 millones son solicitantes de asilo y 32,5 millones son refugiados, más que en ningún otro momento de la historia documentada”. Más de la mitad de los refugiados del mundo son niños. Muchos pasarán toda su infancia lejos de casa, a veces separados de sus familias. La exposición a conflictos, violencia, desplazamiento y desigualdad de género, por citar algunos ejemplos, provoca efectos a largo plazo y obstáculos para una transición exitosa a la edad adulta. Pero los niños son increíblemente resilientes. Al aprender, jugar y explorar sus habilidades creativas, pueden encontrar formas de afrontar la situación, extrayendo fuerza de sus amigos, familias y comunidades.
La educación creativa ofrece un marco que permite a los niños reimaginar quiénes podrían llegar a ser y cómo pueden cambiar su mundo. Ayuda a expresar el trauma y a manifestar emociones, esperanzas, sueños y aspiraciones.
Artolution, una organización global sin ánimo de lucro de arte público y educación de base comunitaria, fundada por Joel Bergner (también conocido como Joel Artista) y el Dr. Max Frieder, lleva 14 años impulsando un cambio social positivo mediante procesos artísticos creativos, participativos y colaborativos en todo el mundo.
En colaboración con Artolution, el Foro Económico Mundial encargó un mural a gran escala titulado El color de la resiliencia.
Durante todo el proceso creativo, Artolution dirigió a cuatro grupos distintos de jóvenes refugiados que viven en el campo de refugiados de Azraq (Jordania), el asentamiento de refugiados de Bidi Bidi (Uganda), el campo de refugiados rohinyás (Bangladés) y las comunidades de refugiados venezolanos y desplazados internos de Colombia. Cada grupo diseñó y pintó una obra de arte a gran escala, y cada obra captura visualmente la historia de la crisis mundial del desplazamiento humano y la apatridia, compartida a través de las experiencias vitales, historias y aspiraciones personales de los participantes.
Esta obra de arte única a gran escala es la primera obra de arte público colaborativa, transcultural y de realización internacional en contextos de crisis de todo el mundo. Es una celebración de la resiliencia frente a la crisis mundial del desplazamiento, mientras que cada sección individual será un artefacto físico que representa a la comunidad en la que fue creada y un camino a seguir a través de una de las crisis más apremiantes de nuestro tiempo.
La única mujer en la sala
Siempre he sido, y siempre seré, una firme defensora de la igualdad de género y del empoderamiento de las mujeres. A principios de este año encontré un libro titulado The Only Woman de la cineasta documentalista nominada a los Óscar, productora de televisión y autora Immy Humes. El libro es una galería cautivadora de mujeres que se abrieron camino en un mundo de hombres, presentadas a través de retratos de grupo en los que cada uno muestra a una mujer sola.
Inspirada por el libro, me puse en contacto con Humes y descubrí que la autora es tan fascinante como el libro. Junto con Humes, curé una exposición titulada “The Only Woman in the Room – con imágenes del libro The Only Women (Phaidon), de Immy Humes.” Incluye una selección de imágenes del libro escogidas a mano que recorren una línea temporal de 100 años (1922 – 2022).
Este enfoque original de la igualdad de género es una contundente declaración pictórica que saca a la luz el fenómeno convincente e innegable de «la única mujer», a lo largo del tiempo y de las culturas, en países como Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Perú, México, India, China, Japón y Australia. Mediante la exposición, que incluye tanto mujeres desconocidas como muy conocidas de diversos orígenes, Humes revela y replantea la forma en que mujeres y hombres se han relacionado socialmente, de maneras sorprendentes y conmovedoras.
Juntas, las imágenes seleccionadas capturan momentos a lo largo de una corriente amplia y lenta de cambio. Cada una ofrece pruebas forenses del patriarcado en exhibición, junto con todas las demás fuerzas de dominación. Es una contribución novedosa a la historia visual y cultural, llena de historias no escuchadas, valentía, logros, indignación, misterio, diversión y, sobre todo, mujeres extraordinarias.
