Tras completar mi doctorado en literatura hace décadas, estaba listo para un gran cambio. Probé el periodismo y otras profesiones, y finalmente encontré el camino de regreso a la academia, pero esta vez en una escuela de arte. Me contrataron para enseñar literatura y filosofía en la School of the Art Institute of Chicago y, con el tiempo, llegué a ser su decana, enamorándome de esos entornos en el proceso. Hace cinco años regresé a la ciudad de Nueva York, donde me crie, para ser decana de la Escuela de las Artes de la Universidad de Columbia.
Cuando entré por primera vez en una escuela de arte, me sentí de inmediato como en casa en su anarquía e imprevisibilidad: modelos de dibujo del natural recorriendo los pasillos con sus kimonos, estudiantes con crestas de colores vivos que trabajaban con diligencia en performances que aludían a su infancia en los suburbios, o estudiantes que parecían aburridos y que, al final del semestre, presentaban 20 xilografías notables basadas en nuestra lectura detallada de Moby Dick. Fue una revelación comprobar que la respuesta creativa podía adoptar tantas formas y que la imaginación podía deambular con tanta libertad en un entorno definido por su pasión por las ideas.
Recuerdo con frecuencia aquellas primeras impresiones, sobre todo últimamente, porque cada vez me invitan más a hablar sobre la pedagogía de las escuelas de arte en foros inesperados, como el Foro Económico Mundial, donde intento explicar a personas de los ámbitos empresarial, económico, científico y tecnológico cómo esos entornos fomentan la creatividad. Estos encuentros me han llevado a reflexionar sobre la singularidad de la filosofía que subyace a las escuelas de arte.
Las escuelas de arte se parecen a los conservatorios en que se comprometen tanto a desarrollar el talento individual como a preparar a los estudiantes para ejercer su profesión elegida. A diferencia de los conservatorios, no esperan necesariamente que los estudiantes dominen un cuerpo de conocimientos del pasado para luego reproducirlo, por extraordinario que sea, en el presente. En cambio, se anima a los estudiantes de arte a reinventar esas historias y a hacerlas avanzar. El mundo del arte, en gran medida en deuda con el pasado, trata en realidad sobre lo nuevo. Incluso cuando los estudiantes aprenden a pintar al óleo, una técnica muy antigua, no es para que puedan reproducir retratos como los de Rembrandt, sino para que puedan reflejar la conciencia del siglo XXI.
Para ayudar a los estudiantes a alcanzar su potencial único, gran parte de la pedagogía de las escuelas de arte se basa en la práctica de la crítica: abordar el trabajo de cada estudiante de forma individual. Los estudiantes son reconocidos como el futuro del campo y, incluso a una edad temprana, pueden ser artistas más interesantes que sus profesores. Por ello, se les toma en serio como iguales en su capacidad para enfrentarse al mundo a través de las formas que ofrece el arte y para crear nuevos métodos cuando es necesario.
Como los científicos, los artistas suelen tener sus ideas más emocionantes cuando son jóvenes y más irreverentes. Pero las ideas originales realmente pueden surgir de cualquiera, en cualquier momento. Nunca se es demasiado joven ni demasiado mayor para descubrir o ser descubierto. Vemos a artistas jóvenes que adoptan con facilidad las nuevas tecnologías y las utilizan de maneras extraordinarias, pero algunos artistas más consolidados, como David Hockney——también se sienten fascinados por estas nuevas posibilidades; los dibujos que Hockney hizo con su iPhone son un buen ejemplo. Otros, como la compositora de vanguardia Pauline Oliveros, han tenido que esperar mucho tiempo a que la tecnología alcanzara sus ideas.
La obra comienza en las ideas, y las tecnologías sirven como excelentes herramientas que permiten a los artistas materializar los proyectos que han visualizado en su mente. Sus prácticas innovadoras también pueden impulsar el avance de la tecnología. En los primeros días de la informática, las empresas entregaban computadoras a artistas simplemente para ver qué lograban hacer con ellas.
En entornos experimentales como estos, se espera y se acepta la asunción de riesgos y el fracaso. Se entiende que probar cosas nuevas a veces dará lugar al fracaso. Y, dado que la solución a los problemas que plantea el mundo, y el propio artista, puede no ser resoluble con las estrategias que ofrece una sola disciplina, las escuelas de arte son intrínsecamente interdisciplinarias. Los artistas pueden necesitar abrirse camino entre varias disciplinas para encontrar un conglomerado en el que expresar sus inquietudes. Esta experimentación aumenta el riesgo. El enfoque interdisciplinario fomenta el juego y resulta emocionante, pero también puede ser aterrador.
Para animar a las personas a asumir riesgos y estar dispuestas a «Intentarlo de nuevo. Fracasar de nuevo. Fracasar mejor», como nos desafía Samuel Beckett, las escuelas de arte deben crear un entorno seguro en el que todos se encuentren en la misma mezcla experimental de investigación y desarrollo en todo momento, unidos por su compromiso de suspender el juicio hasta que la obra esté resuelta. La creatividad prospera mejor en un «entorno de contención» seguro y en un «espacio potencial», como escribió D.W. Winnicott en relación con el modelo psicoanalítico.
Aunque el fracaso es un componente clave de la práctica artística, que se produce a diario en los estudios de los artistas, el fracaso real, con consecuencias en el mundo fuera de la institución, todavía no ha llegado para la mayoría de los artistas jóvenes. Una vez que abandonan la escuela, pueden llegar a ser muy reconocidos en sus campos elegidos. Esto crea un entorno estimulante en el que, por experimental que pueda parecer la obra, todavía existe el potencial de un éxito mundano, muy visible e incluso lucrativo.
Hay quienes dirían que los artistas viven en el futuro, pero en realidad viven con audacia en el presente. Toman el pulso de la sociedad y están sintonizados con todo lo que se desarrolla a su alrededor, lo visible y lo invisible. Para ello, no dependen necesariamente de sus habilidades analíticas (aunque algunos sí), sino de sus sentidos, su intuición, sus sueños, su inconsciente, sus emociones y su atrevimiento para romper las restricciones de forma y contenido. Por eso las escuelas de arte resultan tan atractivas para los jóvenes: fomentan la valentía en un clima de aceptación y seguridad.
Dado que el tipo de arte que triunfará en el futuro no es predecible en el presente, los artistas entienden que su obra podría no ser apreciada en el momento de su creación ni siquiera durante su vida. Por ello, a diferencia de los caminos más estructurados que se trazan para los estudiantes que se gradúan de otras escuelas profesionales, como las de medicina o derecho, por ejemplo, los artistas deben definir cada uno su propio recorrido y aceptar su propio nivel de logro. Es su compromiso inquebrantable con la obra lo que les permite avanzar a pesar de tales obstáculos.
Los decanos de las escuelas de negocios me han dicho que sus escuelas admiten estudiantes que resultan muy interesantes cuando llegan, pero observan que estos estudiantes pronto se vuelven homogéneos en su visión del mundo y en sus objetivos, tras interiorizar medidas de éxito seguras. En su mayor parte, esta dinámica no se da en las escuelas de arte. Los estudiantes son elegidos porque ellos y su obra son singulares. Cuando se gradúan, suelen ser incluso más interesantes y originales de lo que eran al llegar y, por supuesto, más logrados.
En este mundo global de incertidumbre económica y política, en el que se necesitan con urgencia nuevas ideas para abordar los problemas del futuro en el presente, ¿qué podría resultar más estimulante, y potencialmente más poderoso, que un entorno que atiende a pensadores profundos, se adapta con facilidad a las nuevas tecnologías, transita con soltura entre disciplinas, cultiva la resiliencia, cree en la importancia del juego para resolver problemas y aborda cuestiones relevantes para los contextos sociales? No es de extrañar que líderes de otros ámbitos traten de comprender y replicar el ambiente que las escuelas de arte crean de forma tan orgánica.
Esta entrada de blog apareció originalmente en artworks.arts.gov
Autora: Carol Becker es decana de la Escuela de las Artes de la Universidad de Columbia y participó en la Reunión Anual 2013 del Foro Económico Mundial en Davos.
Imagen: Un bailarín ensaya en Alemania Romeo y Julieta REUTERS/Laszlo Balogh
