En todo el mundo, la cultura y la tecnología están convergiendo de formas sin precedentes para transformar nuestras ciudades, economías y ecosistemas creativos.
Más allá de innovar en el propio arte, los artistas están desarrollando “culture stacks” que ofrecen nuevas formas de financiar, gobernar y construir infraestructuras culturales.
Quizá sea momento de que los responsables de políticas evolucionen para respaldar estos nuevos modelos culturales en favor de un futuro creativo más sostenible.
La cultura y la tecnología siempre han tenido una relación estrecha, pero nunca tanto como ahora.
Los videojuegos, la inteligencia artificial (IA) y los mundos virtuales han tenido un enorme impacto en la cultura popular, y si recorre importantes exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia o cualquier gran galería o museo, es probable que encuentre artistas que exploran nuestra relación con estas y otras tecnologías.
En todas partes, los artistas están creando nuevos tipos de obras con y sobre la tecnología, y experimentando con nuevas formas en que el público puede vivirla.
Sin embargo, bajo la superficie se está produciendo una transformación más profunda.
En la última década ha surgido una nueva generación de artistas. Están ampliando los límites de lo posible con las nuevas tecnologías, pero no solo las adoptan como medio creativo. También aplican sus competencias tecnológicas para replantear la forma en que se financian y distribuyen sus obras.
Esto anticipa un cambio significativo en la forma en que podría funcionar el sector cultural. Pero ¿cómo es este cambio y cuáles son sus implicaciones?
Los culture stacks plantean alternativas al sistema cultural actual, lo que implica que este último debe cambiar.
El auge del ‘culture stack’
Para comprender este cambio, debemos fijarnos menos en las obras que los artistas muestran al público y más en el nuevo tipo de organización que están construyendo, una que llamamos “culture stack”, análoga al “tech stack”, es decir, un conjunto de tecnologías que funcionan en conjunto.
Para leer este artículo, por ejemplo, se requiere una capa de hardware (un teléfono o un ordenador portátil), con un sistema operativo como capa «superior», seguido de una aplicación (un navegador web o similar) encima.
De manera similar, un culture stack va más allá de la creación de obras y añade otras “capas” a lo que hace el estudio de un artista.
Actualmente vemos a artistas abrir sus propios museos, conseguir financiación de capital riesgo para el desarrollo tecnológico, publicar herramientas para que otros creadores las utilicen, difundir su desarrollo de nuevos materiales en revistas científicas de prestigio y mucho más.
Lo revolucionario de esto es que “rodea” gran parte del ecosistema cultural existente.
De pronto, estos artistas dependen mucho menos de las fuentes de financiación habituales (marchantes, coleccionistas, subvenciones públicas o filantrópicas) y de los canales de distribución (galerías, museos, comisarios, etc.). De hecho, los culture stacks plantean alternativas al sistema cultural actual, lo que implica que este último debe cambiar.
Por supuesto, los artistas siempre han trabajado con las tecnologías de su tiempo y muchos han buscado oportunidades fuera del mundo del arte tradicional. Lo que es diferente ahora es la velocidad con la que se produce este cambio, el carácter generalizado de este enfoque y la escala de su éxito.
3 lecciones del culture stack
Los culture stacks están en sus primeras etapas. Evolucionarán, sobre todo a medida que el modelo se extienda desde el Norte Global, donde siguen concentrados (principalmente en Europa, Corea del Sur, Estados Unidos y Japón). Sin embargo, ya están teniendo un impacto importante de tres maneras.
1. Un espacio de arte y tecnología ya prospera
En primer lugar, los culture stacks demuestran que la inversión estratégica en infraestructura híbrida (cultura y tecnología) es esencial para el futuro.
Consideremos Borderless en Tokio, lanzado en 2018 por el colectivo de arte digital inmersivo teamLab en colaboración con Mori Building Co. El museo de arte inmersivo atrajo 2,3 millones de visitantes en su primer año, convirtiéndose en el museo de un solo artista más visitado del mundo.
Además de aumentar el tráfico en la cercana estación de Aomi en un 50 % e incrementar las visitas a comercios adyacentes, como VenusFort, en un 20 %, demostró cómo proyectos creativos y tecnológicos como Borderless pueden impulsar nuevos distritos creativos.
Esto nos enseña no solo que las experiencias inmersivas son populares, sino también que los artistas que trabajan con tecnología están en posición de alterar las expectativas sobre cómo se poseen y financian los museos o las galerías, y por quién.
A su vez, esto implica que debemos replantear nuestro enfoque sobre los espacios y distritos culturales. En particular, debemos considerar qué pueden producir ahora los artistas que trabajan con tecnología y qué papel deben desempeñar junto a ellos las instituciones más “convencionales”.
2. Fundamentos éticos
En segundo lugar, el desarrollo tecnológico ético encuentra en los culture stacks un vehículo poderoso.
Los culture stacks no se limitan a utilizar lo que fabrican las empresas tecnológicas; construyen los suyos propios, pero desde un punto de vista “centrado en la cultura”.
Por ejemplo, Refik Anadol Studio: DATALAND, un museo de arte de IA que abre este año en Los Ángeles, demuestra cómo los culture stacks pueden incorporar principios éticos directamente en el desarrollo tecnológico.
Mientras crecen las preocupaciones sobre el consumo energético y las prácticas de datos de la IA, DATALAND se compromete a utilizar un 100 % de energía renovable para sus sistemas de IA y ha hecho que su tecnología “Large Nature Model” esté disponible de forma abierta para que otros la prueben.
Esto sugiere que los culture stacks ofrecen una nueva forma de pensar el desarrollo y la regulación de la tecnología ética, muy distinta del espíritu histórico de Silicon Valley.
...los culture stacks plantean nuevas preguntas sobre qué formas de capital o financiación podrían beneficiarse...
3. La política debe seguir el mismo camino
En tercer lugar, los modelos de financiación de los culture stacks deberían inspirar la innovación política.
Consideremos la obra de los artistas Mat Dryhurst y Holly Herndon, quienes, como Anadol, están profundamente comprometidos con el desarrollo de la tecnología ética. Desde su innovador álbum PROTO de 2019, que fue pionero en el uso de la IA en la producción musical, su obra ha evolucionado para incluir diversos experimentos en gobernanza digital y derechos de propiedad.
Recientemente, esto se extendió a la cofundación de Spawning, una startup respaldada por capital riesgo que desarrolla herramientas de IA éticas para creadores y ha lanzado varios productos de acceso abierto.
Casos como este plantean la cuestión de cómo podrían financiarse en el futuro las prácticas culturales. En la actualidad, la financiación cultural es de pequeña escala en comparación con la tecnológica y rara vez se configura como “inversión” de la misma manera.
Pero los culture stacks plantean nuevas preguntas sobre qué formas de capital o financiación podrían beneficiarlos y, a la inversa, qué significa, por ejemplo, que un ministerio de Cultura invierta en una organización que crea productos y servicios tecnológicos.
Por estas razones, comprender el modelo de culture stack no es opcional para quienes dan forma a nuestras políticas, ciudades e instituciones. Los culture stacks representan una oportunidad sin precedentes para repensar la práctica habitual en materia cultural y plantean un desafío urgente a los marcos establecidos de gobernanza, inversión y planificación urbana.
Queda por ver quién tendrá la audacia de actuar ante esta oportunidad y de establecer los estándares que otros seguirán.
La Davos Baukultur Alliance reúne a actores de los sectores público y privado en torno a un compromiso compartido de mejorar la calidad de nuestros entornos construidos y de la vida urbana. Defiende situar la cultura y la práctica cultural en el centro de esta misión.
